Marks & Spencer, una tienda Ecoamigable
|
Etiquetas:
eco,
ecofashion,
fairtrade,
Marks and spencer,
sostenible
Marks & Spencer es una de las compañías que ha adoptado una política “Eco” casi desde su fundación (1884), hecho que la postula como una de las grandes corporaciones que han sabido combinar todos los factores positivos que debería tener una empresa. Para el movimiento eco, es un estandarte y un modelo a seguir indiscutible para la industria.
Michael Marks fundó la empresa en Hartlepool (puerto Inglés), en un bazar pequeño comenzó a vender juguetes importados de Polonia. En 1894 se asoció con Thomas Spencer y adoptó el nombre “Marks & Spencer”. Así, comenzaron a introducir una política justa de sólo vender productos manufacturados en Inglaterra.
Progresivamente fueron ampliando su oferta de productos, el hijo del señor Marks heredó la compañía y lanzó líneas de ropa, pastelería y bienes de diversas categorías en general. Luego de su muerte un judío tomó las riendas e inició un proceso de ampliación masiva, se abrieron tiendas en Canadá, Asia y Europa. Aunque no fueron completamente exitosas todas las tiendas, aún quedan muchas por fuera del reino unido que, aunque son franquicias, manejan los mismos estándares establecidos por la casa matriz.
Algunas de sus políticas ambientales y sociales son: trato justo a los empleados que aunque ya no son sólo de Inglaterra, son justamente pagados y contratados, prácticas sostenibles de pesca, uso de materiales orgánicos, uso de tintes no perjudiciales para el ambiente y donación de recursos para fundaciones.
Su campaña “Look behind the label” ha sido un fuerte apoyo comunicativo para fomentar el conocimiento que hay detrás de los productos que consumimos, desde cómo se produce, hasta cómo se empaca, proveniencia de los materiales, componentes y procesos, además nos da la oportunidad de apoyar la causa y ser parte de un movimiento que nos concierne a cada uno de nosotros.
Sus políticas se han fortalecido gracias a la dirección de Stuart Rose desde 2004, un buen ejemplo fue la inauguración en el 2007 del Plan A, que busca aumentar dramáticamente el porcentaje de sostenibilidad de la organización a un plazo de 5 años.
El plan tiene como objetivo trabajar los siguientes aspectos; cambio climático, desperdicio, uso de materiales sostenibles, justa contratación y salud.
Para el 2012 los objetivos a completar son: No lanzar emisiones de carbón, no botar los desperdicios a la tierra, extender los recursos sostenibles, contribuir a la calidad de vida de las personas, ayudar a los empleados y clientes a llevar un estilo de vida más saludable.
Algunos de los adelantos de éste plan ha sido el lanzamiento de la bolsa 5p, la cual adquieres para reemplazar las bolsas plásticas del mercado, la apertura de tres turbinas de aire que generan la suficiente energía para alimentar a tres almacenes, y en general la reducción de uso de plástico en botellas y empaques.
Definitivamente esta cadena de almacenes es un ejemplo para el mundo entero, es una demostración de que se pueden hacer las cosas bien y políticamente correctas, además nos presenta opciones para desarrollar nuestras operaciones en pro de éste movimiento, vale la pena investigar y buscar más sobre el tema para desarrollar lo que es urgente para nuestros tiempos, la sosteniblidad.
Historia del Eco Fashion
|
A continuación una breve historia sobre éste fenómeno que se proyecta como el futuro de la moda.
El Eco fashion tuvo sus inicios en los años 70, aunque aún no se usaba el término, haciendo una aproximación, es el momento en donde se dio lugar la primera manifestación de moda ambientalmente amigable. La era hippie se construyó con bases de pensamiento antiguerra, de cuidado del ambiente, de paz y de amor, en ésta caso, la ideología invadió cada uno de los hábitos de éstas personas, incluyendo el vestuario.
Ellos reciclaban prendas de épocas anteriores heredadas por sus padres o amigos, las prendas en desuso las trasformaban y adaptaban a su estilo, tiñéndolas y bordándolas ellos mismos, además nos las lavaban por largos periodos para evitar el uso de detergentes y el desperdicio de agua, por último, usaban las prendas hasta que ya no soportaban más, es decir alargaban su ciclo extremadamente.
Luego de esto, la ropa eco amigable volvió hasta los 90 y el término “Eco Fashion” nació, una nueva era preocupada por el ambiente y la preservación surgió, pero ésta vez se dio de una forma más comercial. Esta vez su protagonista fue la marca original de San Francisco, Esprit, con su colección Ecollection diseñada por Lynda Grose en 1994 lanzaron al mercado la primera línea producida con materiales completamente eco amigables, empezando desde las fibras que no recibían ningún tratamiento químico y eran teñidas con productos naturales hasta los botones y broches que eran producidos a mano por comunidades indígenas, por último se buscaba promocionar los cultivos sostenibles.
En ésta época existía una tendencia Ecoactivista en California y marcas como Patagonia y J Crew empezaron a desarrollar procesos “Eco”.
El mismo año empezaron a difundirse publicaciones acerca del tema como la de la revista de moda inglesa Drapers Record “Going Green”, ésta citaba a almacenes como Next y H&M que ofrecían productos con estas cualidades.
El movimiento no duró mucho y hasta 1999 se volvió hablar de él, el periódico The Independent publicó una artículo sobre algunos jóvenes diseñadores que seguían la misma lína como Ciel, Jessica Orden, Cómodo y Patagonia y marcas como Amano hecha por indígenas de Bolivia.
En los últimos años menos compañías han abordado el tema, las marcas Eco amigables permanecen siendo pocas y no se ve aún un deseo de expansión.
Aunque en la muestra de The Craft´s Council Well Fashioned exhibition se mostraron algunos de los nuevos diseñadores y compañías que están trabajando bajo éstas políticas.
La decisión está en la grandes marcas, quienes serán las responsables de hacer que esto se convierta en moda, en una tendencia que se difundirá hasta las masas y que todos querremos adoptar.
Barbarella vs. Leeloo
|
El objetivo de este escrito es hacer una comparación entre la película Barbarella realizada en los años 60´ y El Quinto Elemento de los 90´. Ambas tienen como tema una situación en el futuro y por lo tanto, una trasformación del entorno, el vestuario el lenguaje y hasta del amor. Es interesante hacer un acercamiento para observar las similitudes y diferencias entre una y la otra, además de evaluar realmente el vestuario en el futuro hacia donde se orienta y cómo en nuestra imaginación creamos un modelo diverso.
Barbarella protagonizada por Jane Fonda y dirigida por Roger Vadim está inspirada en una historieta realizada por Jean-Claude Forest, fue una de las primeras heroínas femeninas con un contenido sexual elevado y una producción que sentó las bases del concepto ¨futurista¨ que hasta ahora se sigue imponiendo. Su importancia radica en la creación de trajes e utilización de materiales asociados con el futuro que han traído éste concepto hasta el presente.
Barbarella es una mujer frágil, inocente pero poderosa y estos son valores que la postulan como una humana del futuro, sin intereses de por medio, sin rencores y sin una concepción de guerra. Además, el amor como un arma poderosa es una de las bases de su éxito y del mensaje de la película.
La época en la que fue creada fue una época en donde la intriga por el futuro era una constante, pues la evolución en cuestión de electrodomésticos, textiles, materiales y hasta la llegada a la luna fueron sucesos que sorprendían a la humanidad, para entonces el camino hacia la evolución acelerada se veía venir de forma repentina y sorprendente. Por esta razón la tendencia de la época fue recrear el futurismo por medio de la imaginación.
Paco Rabanne diseñó el vestuario de la película, pues su concepción de moda se veía orientada hacia la inspiración con naves espaciales, el plástico, materiales metálicos y algunos elementos que tuvieran que ver con los inventos de la época.
La creación fue perfecta y le dio un toque hermoso, sus trajes con bustiers de plástico transparente, con placas de acrílico y distintos metales le dieron una fuerza al personaje que trasformó el concepto del futuro para siempre.
El quinto elemento protagonizada por Milla Jovovich y dirigida por Luc Besson es una conjunción inspirada en algunas historietas y creada por dibujantes de comic, es una película del 97´ pensada en un futuro de 200 años. Leeloo, la protagonista es una heroína pero no en el sentido de superhéroe cuya labor es salvar el mundo constantemente, sino como elemento vital sagrado que es el complemento de los cuatro elementos (fuego, aire, tierra y agua). Mas que un ser conciente de su labor, fuerte y audaz, es una criatura frágil, inocente y pura.
Aunque el amor es su arma, Leeloo es una persona que no es conciente de su sexualidad ni de su poder seductor, al contrario, es un persona que es en esencia amor, pero que no lo usa como medio para alcanzar sus objetivos.
La película, aunque continuó con los conceptos principales del futuro, le dio un nuevo matiz, en cuanto a posibilidades tecnológicas, avance en el tiempo e imaginación de un futuro. En los 90´ con la evolución de ciertos países como Japón, la proyección del futuro era más cercana a la realidad del momento.
Jean Paul Gaultier diseñó en éste caso el vestuario, el cual fue un éxito y un icono de referencia para las nuevas propuestas ¨futuristas¨. Aunque trajo al presente algunos de los materiales y siluetas planteadas desde Barbarella, la nueva visión le dio nuevas opciones al futurismo. Lo grandioso del diseño del vestuario, fue la creación de personajes irreales, como la cantante de ópera o hasta excéntricos, como Chris Tucker.
En cuanto a vestuario ambas películas tienen una inspiración en la estética de las heroínas de los comics, y aunque difieren en ciertos colores y materiales, la silueta es similar, líneas costriñidas, adheridas al cuerpo, aerodinámicas y desinhibidas. En la mayoría de la indumentaria en ambas películas los atuendos son completamente reveladores, insinuantes y sexuales. Partiendo de esto podría concluir que una de la opiniones en la que convergen ambas concepciones del futuro es que el amor será más libre, el cuerpo será natural y será natural exhibirlo.
Esta concepción me parece hermosa y quizá acertada, pues con la ola natural, el cuerpo es cada vez más un elemento valioso para cuidar y mostrar, es una vuelta a los valores básicos.
Aunque Paco Rabanne y Jean Paul Gaultier tengan formatos de diseño muy diversos, pienso que cada uno logró una solución inteligente y acertada, Rabanne creó una estética que inspiró por décadas a todas las colecciones futuristas, además, su reinterpretación del vestuario ya dibujado en el cómic fue un reto en donde debía representar los atuendos pero al mismo tiempo hacer su aporte de diseño. Pienso que su genialidad e imaginación crearon las bases del futurismo para siempre.
Aunque las reglas sobre el futurismo limitan en cierta medida las propuestas, Jean Paul Gaultier le dio un aporte a éstos conceptos, pues su avance en materiales, en conocimiento de procesos y distintas culturas le dieron más posibilidades para crear la indumentaria, pienso que es una interpretación más fresca, con nuevos mátices y nuevos signos que identifican al futurismo.
En cuanto al mensaje de cada película, cada una se vio fuertemente influenciada por “el aire de los tiempos” que se respiraba en cada una de las épocas.
En el caso de Barbarella, la llegada a la luna, la liberación femenina, los viajes al espacio y el desarrollo de la tecnología fueron aspectos que constituyeron la principal inspiración de la película y las que determinaron su lenguaje. Barbarella al ser la reina de la galaxia, se postulaba como superior al hombre, además su seguridad y credibilidad hicieron de ella la más poderosa, esto de alguna forma significaba que la liberación femenina le prometía a la mujer su poderío.
En el quinto elemento, en cambio, se ve influenciada por una época en donde distintas corrientes opuestas convergían, por un lado el existencialismo e incertidumbre representaban a la onda grunge, que en vez de magnificar el mundo y el futuro lo veían como algo incierto y desconcertante. Por otro lado la ola minimalista, natural y de amor buscaba rescatar los valores humanos más valiosos y volver a lo simple, lo básico. De la conjunición de estás corrientes pienso que nació la película, pues nos cuentan cómo la tierra estaba llena de maldad, de guerra, sin salvación (pensamiento grunge) y cómo a través de los elementos básicos y el amor se salvaría a la humanidad y a la galaxia (pensamiento naturalista).
Por último, aunque podemos identificar las diferencias y el prototipo de cada película, podemos reconocer que ambas son algunas de los máximos representantes de la moda y la visión humana en el futuro. Su influencia se ve reflejada en cada época y ha dejado surgir fenómenos como las colecciones de la Primavera del 2007 en dónde muchos convergieron en una reinterpretación futurista.
ENTREVISTA: ESTEFANÍA SEFERIAN- DISEÑADORA DE GUADALUPE SANTO.
|
1. ¿Cual es la identidad y el código genético de tu propuesta o marca?
La idea es que la gente se sienta bien con lo que usa.
Primero busco la inspiración, miro tendencias y de ahí salgo a hacer diseños; después de los diseños, hacemos el diseño plano, y luego producción; y empezamos a mirar las pruebas, los prototipos, los liencillos, y ya va saliendo el molde.
Entre 50’s a 70’s, basados en el “Hollywood”; los visionarios son Marilyn Monroe, pero también llegando hasta Jimmy Heandrix, o sea, haciendo como una especie de adaptación de los glamoroso de los 50’s, hasta un poco de lo alocado de los 70’s.
9. ¿Tienes un visionario?
10. ¿Es importante para ti la colaboración creativa en tu trabajo?, ¿Trabajas sola o en equipo?
Pues en realidad mucha gente, pero alguien que me haya marcado y enseñado mucho, una persona que se llama Liz Bohórquez.
18. ¿Cuál es tu filosofía para diseñar?
Siempre pensar en el cliente, en qué es lo que necesita, y tratar de que se sienta diferente, también de enfocar una marca colombiana, pero con proyección extranjera; no dejarnos devorar por los monstruos que están aquí en Bogotá.
19. ¿Cual es la lección más importante que has aprendido?
21. ¿Esta es tu propia línea de ropa?
Si.
22. ¿Qué te hizo crearla?
Tenía ganas primero de ser independiente, y segundo fue como una especie de milagrito, las cosas se dieron súper fáciles, yo nunca lo busqué; llegó una persona y planteó un proyecto y de una se hizo.
Etnico elegante Otoño - Invierno 2009
|
Etiquetas:
estampados,
etnico,
flores
En las pasarelas de París, Milán y Londres de la temporada que acabamos de ver, se vieron colecciones con influencias étnicas de distintas culturas. Galliano y Dries Van Noten son algunos de los que experimentaron con estampados y accesorios.
Lejanas y exóticas culturas son motivo de inspiración para los diseñadores este otoño – invierno 2009, regresa esta tendencia, especialmente con detalles étnicos. Tejidos, estampados, calzado y accesorios son algunos de los elementos que se vieron.
Jhon Galliano por su parte se inspiró en el orientalismo de Paul Poiret, con elaborados brocados y influencias asiáticas en general, su colección nos llevó al continente oriental.
Dries Va Noten, cambió su línea hacia una más colorida, estampó sus prendas de forma creativa y hermosa, con nuevas técnicas reemplazó los trazos agigantados de la colección pasada por flores diminutas. En túnicas, vestido y enterizos aparecen éstos nuevos motivos.
FENDI, casa de tradición familiar italiana
En 1925 Edoardo y Adele Fendi, abren en roma en el Plebiscito un pequeño negocio de carteras con un laboratorio de peletería, donde trabajan para clientes privados. Inmediatamente el negocio entra en la burguesía por su alto nivel de calidad y tiene una gran acogida dentro de éste mercado. Entre los años 30 y 40’s Fendi se toma y abarca esta ciudad.
Para 1946 la segunda generación de esta familia entra al negocio, la cinco hermanas, hijas de ésta pareja llenan de nueva energía y nuevas ideas la empresa. En este medio siempre dominado por hombres, las hermanas Fendi empezaron a darle una nueva mirada, a decir algo nuevo, querían desdramatizar la peletería, darle un estilo propio, que no fuera simplemente un objeto para poseer, un símbolo de riqueza y ostentación, darle buenas hormas. Los nuevos cambios tuvieron buena acogida en la presentación a la clientela privada en el atelier de Roma, pero en ese momento una periodista les aconsejó hacerse reconocer en el exterior presentando la colección en el ámbito de la alta moda, y conseguir a alguien que se encargase de las relaciones publicas, Franco Savorelli, un Milanes que abriría el espacio dentro de esta ciudad donde se movían y se mueven los negocios en Italia.
Pocos años después, a través de Savorelli conocieron a un joven que estaba revolucionando Paris, Karl Lagerfeld. Con Lagerfeld la Fendi y el concepto de piel se transforma completamente, pasa por una revolución cultural, la piel la modifican, la rediseñan y la reinterpretan, convirtiéndola en un indumento a la moda, mutante, suave y ligero. Los materiales también se cambian, se vuelve a trabajar con pieles olvidadas y descuidadas por ser consideradas como “pobres”. Se empezó a experimentar nuevas curtiembres, tintes y surtidos. Se cortan, se entrelazan y se cosen las pieles como si fuesen textiles. En ese momento Lagerfield diseña también el símbolo de la doble F, logotipo e imagen utilizada desde entonces, reconocido sobretodo en la línea de carteras y accesorios.
Después de la revolución cultural de 1968, en el 1969 Fendi lanza una línea industrial de pret-a-porter que propone las ideas y la calidad de una producción limitada con la ventajas de los laboratorios Fendi de alta moda en donde se obtienen abrigos de alta calidad y diseño con precios mas bajos.
Con esto también surgen nuevos estilos de vida, mujeres laboriosas con necesidad reales, por esto las carteras se transformaron también, proponiendo cánones de elegancia, funcionalidad, estilo e innovación. La antiguas carteras rígidas, se convierten en carteras suaves y desestructuradas, la piel es estampada, tinturada, curtida y entrelazada para hacerla mas linda e útil.
Pero, es en 1977 que lanzan el ready-to-wear, una línea completa de ropa que conformaría completamente el estilo Fendi. La petición constante de los clientes de comprar los vestidos que estaban debajo de la pieles en los desfiles las llevó a crearla.
Después de la muerte de Adele Fendi, la madre, las cinco hermanas se encargan del imperio, dedicándose cada una a un sector especifico de la empresa. Paola (1931) se ocupa de las peletería, Anna (1933) de los artículos de piel tratados, Franca (1935) de la atención al cliente, Carla (1937) de la coordinación de la empresa y Alda (1940) de las ventas. Además de la constante colaboración creativa de Lagerfeld.
Con el éxito creciente de la empresa, en 1984 , se amplían las colecciones Fendi, se realizan líneas de Foulard, corbatas, guantes, gafas, jeans y elementos de decoración para la casa.
En 1985, por primera vez un museo, La Galleria Nazionale di Arte Moderno di Roma, abre las puertas a la moda para la celebración de los 60 años de Fendi y de los 20 años de colaboración de Karl Lagerfeld, la muestra “Fendi-Karl Lagerfeld, un recorrido de trabajo” ilustra el complejo proceso, creativo y técnico necesario para la realización de una nueva colección. El evento y el aniversario se vuelven la ocasión para el nacimiento del primer perfume Fendi.
En 1987 Silvia Venturini Fendi queda postulada como directora creativa de Fendissime.
La Homme Collection Fendi Casa nace en 1989, realizada con la sociedad Club House Italia (1970) la colección se propone “vestir” los ambientes con una óptica muy parecida con la cual Fendi proyecta artículos de piel y vellones preciosos, vestidos y accesorios. Emerge así un nuevo concepto de casa concebida como reapropiación de una hábitat cotidiano para personalizar con estilo, forrado en gran parte con piel de zorro, visón, carnero y marta, puestos en cojines o plaid, con estrepitosa elaboración y detalles fashion como la doble F.
En 1992 Silvia Venturini acompaña a Lagerfeld en la dirección creativa.
En 1994 queda como directora creativa de los accesorios.
En 1994, para salvaguardar el espíritu artesanal de la Fendi original, se recupera “la Selleria”, creada por Adele Fendi, nuevamente propuesta con la misma cultura y las mismas técnicas. Son carteras, maletines de viaje, accesorios de peletería pequeña realizados en cuero “flor” y trabajados a mano de maestros sellai, con ejemplares limitados y numerados.
Siguiendo esta filosofía del retorno a los orígenes, Silvia Venturini Fendi (hija de Anna Fendi), responsable del trabajo estilístico, crea la cartera Baguette, que como su nombre lo indica era para llevar debajo del brazo, como el pan. Su éxito es inmediato, y mas de 600 versiones con materiales diversos e inéditos son vendidos, convirtiéndola así, en un accesorio-joya y en una cartera de colección, en una fuente de inspiración para toda la industria de la moda. El bolso gana el premio The Fashion Group Internacional.
A fines de los 90’, para desarrollar al máximo su potencial, la Fendi su une a los nuevos socios, el grupo LVMH y Prada. Con esta decisión, se emplea una nueva organización industrial y operativa, se busca la constante internacionalización de la marca, se pone fin a los contratos de licencia, se refuerzan la red de negocios controlados directamente y se abren las tiendas de Londres y Paris.
En el 2000, Silvia Venturini Fendi empieza a diseñar la línea masculina de la firma.
En el 2001 el grupo LVMH compra la parte Prada y a partir del 2002, adquiere la cuota de Fendi, para terminar siendo en el 2004 único socio mayoritario.
En los últimos años Fendi Casa realizó los interiores del nuevo yate Crn 128’, realizado por el astillero Crn del grupo Ferretti di Forli. El yate fue decorado con sofás, poltronas y mesas recubiertas con piel color marfil.
En el 2005 Fendi cumplió 80 años, se inauguro Palazzo Fendi en Roma, la boutique mas grande del mundo, situada en el corazón del centro histórico, con el nuevo concepto firmado por Peter Marino.
El 19 de octubre del 2007, fendi fue protagonista de un exclusivo evento mundial, fue la primera maison de lujo que presentó una colección sobre la Muralla China, 88 modelos, 44 asiáticas y 44 caucásicas, en una pasarela de 88 mts.
El 24 de Febrero del 2008, se inauguro la store 22 Avenue Montaigne en Paris con un concierto de Amy Winehouse.
Hoy en día Fendi tiene 166 Boutiques distribuidas en 25 países del mundo.
Silvia Venturini Fendi representa a la tercera generación de la familia fundadora de la histórica maison.
Actualmente Fendi Casa esta difundida y es apreciada en mas de 60 países en el mundo.
Los puntos de fuerza mas importantes para la empresa están en Chicago, New York, Dallas y Houston.
La imagen Fendi deriva de la idea de Karl Lagerfeld de que todo se puede poner junto, solo hay que saber hacer la combinación perfecta.
Las lineas que maneja Fendi son:
-Fendissime Línea Juvenil descontinuada en 1962. Se transformó en MIU MIU LINE. -Writing Instruments, Bolígrafos e Instrumentos de escritura.
-Time pieces, Relojes.
-Fragancias
-Lentes y lentes de sol.
-The Double F simbol Logo patentado el cual incluye bolsos, carteras, maletas, zapatos y ropa.
-Fur Pieles.
-Pret-à-Porter Ropa de venta en boutiques.
-Fendi Casa Línea de ropa para casa, especialmente de cama.
Fendi produce artículos de colección, su filosofía, no se trata tanto de cambiar la moda, sino de permanecer.
Artículos de colección:
-Bolso Baguette (1994)
-Serie DIY, que significa “Do it yourself” o sea, “hazlo tú mismo”
Ultimo perfume: Palazzo, se crea con inspiración en la clásica mujer italiana e intenta retratar el cine italiano.
Otros Perfumes:
Asja by fendi
Fendi by Fendi
Fendi teorema by Fendi
Fendi life essence by Fendi
Fendi uomo by fendi
Fendi donna by Fendi
Fendi se presenta todos los años las ferias de Milán de hombre en Junio y de Mujer en Septiembre, como también en las ferias de Febrero.
El trench, un clásico inconfundible.
La casa (Made in England), Burberry, creadora del “trench coat” se reinventa constantemente para transportar con estilo éste clásico a través de los tiempos.
El significado de Trench proviene de trinchera en inglés, puesto que el abrigo fue protagonista en la vida civil durante mucho tiempo.
Nació a partir de la gabardina (tejido de algodón impermeable), creada por Thomas Burberry en 1879, después de tener un éxito rotundo y de ser utilizada por el ejército, por su resistencia a la lluvia y su comodidad, Burberry la tomó y la reinventó poniéndole hombreras y anillos de metal, que dio como resultado el abrigo trench.
Su diseño se hizo famoso en 1914 cuando se creó el “Trench 21”, fabricado especialmente para proteger a los soldados ingleses en la primera y después en la segunda guerra mundial.
Después, con la influencia del cine en el mundo, el “Trench” adquirió notoriedad como prenda fetiche de los detectives y gángsters. Así mismo, el uso de las estrellas de Hollywood como: Gracy Kelly o Audrey Hepburn, ayudaron a popularizar su uso en América.
El modelo siguió influyendo a través de las épocas; los punks se apropiaron del abrigo militar a finales de los 70, durante los 80 existieron fans de éste de todo tipo perdiendo así su estatus momentáneamente (1). Luego son los intelectuales, la izquierda chic, los que le confieren al trench de nuevo el estatus de clásico que nunca pasaría de moda.
A través del tiempo el diseño inicial se ha conservado; se compone de 26 piezas de gabardina de diferentes tamaños, un cinturón con argollas, botonadura doble y se hace en colores tradicionales como el kaki, el beige o el negro. Conserva las bandas de tela al interior de la costura y la mangas de estilo raglán (2) con hebillas en los puños y en los hombros.
Aunque hoy en día también se puede encontrar en distintos colores, materiales y cortes, además de múltiples interpretaciones y versiones que otros diseñadores y casas de moda han hecho de éste objeto, como Vivienne Westwood, A.F Vandervost, Armani y Jill Stuart, además de marcas más asequibles como Mango, Banana Republic y H&M.
En 1990 Burberry desempolvó su modelo y al estilo de los años 30, en el que el forro se consideraba como una prolongación del modelo, Roberto Menichetti, director artístico de la casa en ese momento, imprimió el estampado tartán (3) característico de Burberry en el forro.
En la actualidad, el nuevo director artístico Christopher Bailey ha revolucionado y reposicionado la marca como nunca, con 150 años se ha convertido en patrimonio de la humanidad y la vez en una de las marcas más codiciadas por jóvenes y adultos.
Su abrigo trench es un must (4) que definitivamente no puede faltar en el closet, hoy en día cuando entra una nueva estación es una de las prendas más populares en las calles. En la nueva película, Confessions of a shopaholic se pueden ver las mejores versiones de la temporada.
1 La marca tuvo que hacer en los 90’s un plan de reposicionamiento de marca usando a Kate Moss como imagen.
2 Se aplica a la manga que llega hasta la línea del cuello y cubre también el hombro: este jersey tiene mangas raglan. o se aplica a la prenda de vestir que tiene esta clase de mangas: un abrigo raglán.
3 Cuadros en rojo y cafés, sello de Burberry.
4 Indispensable.
Semiótica y publicidad
|
El ensayo hace un intento de explicación sobre el significado de la publicidad desde la semiótica, se parte de la problemática que a ambas áreas confiere: la función del lenguaje y el origen del sentido.
Se hace la división a partir de la categoría de la función que se le atribuya al discurso; función constructiva o función representativa. La función constructiva es cuando el valor del producto se lo da la publicidad o si el lenguaje constituye la construcción de un sentido. Por el contrario, la función representativa es cuando el valor del producto es anterior a la publicidad o cuando el lenguaje es la representación de un sentido ya existente.
De esta división nacen cuatro tipos de ideologías publicitarias: La publicidad referencial, la publicidad mítica, la publicidad sustancial y la publicidad oblicua.
La publicidad referencial concierne al ideólogo D. Ogilvy y en resumidas se puede decir que es el tipo de publicidad sincera, honesta, la que dice la verdad. La intención es retratar los hechos reales, reproducir un trozo de vida, se buscan gestos y situaciones que representen lo vívido. Por medio de una estrategia discursiva, es decir, de un conjunto de procedimientos, se intentan presentar los discursos como verdaderos, este conjunto de procedimientos se basa en discursos narrativos (articulaciones antes/después), figurativos (informaciones concretas o atractivos anecdóticos) y descriptivos (sin adjetivos o eslóganes).
La publicidad referencial se encarga de que el discurso parezca el puro enunciado de las relaciones necesarias entre las cosas y que esto se vea reflejado en la linealidad del spot o del texto.
La publicidad oblicua nace de Ph. Michel y es lo opuesto de la publicidad referencial, para ésta, el sentido se debe construir, no es algo preexistente. Busca que el público tenga una hacer interpretativo, rechaza la inmediatez y la simplicidad literal de la comunicación referencial. Aquí se pone a prueba la inteligencia del consumidor, con herramientas de manipulación, de visión modificada y de ironía.
Al fondo se le da la forma para crear una diferenciación entre productos, induciendo valores y creando modelos aspiracionales, no se vende un producto sino una representación del mundo.
Tiene distintas forma de construcción del significado y de formas discursivas, como la ironía, en donde el enunciador asume un discurso que no le pertenece, la ironía es trastorno y denegación, es un tipo de enunciación indirecta que va desde lo positivo (enunciado) hacia lo negativo (lo que hay que entender).
La publicidad mítica por su parte es de J. Séguéla, y también construye el sentido del objeto, pero de una manera distinta de la oblicua. Lo que hace es vestir de sueños los productos, se encarga de quitarle el aburrimiento a la compra.
Le da sentido y valor al producto mediante la historia imaginada y la narrativa usada, generalmente recurren a historias antiguas, a personas míticos o a héroes como Cleopatra y Leonardo Da Vinci que ya llevan intrínsecos una temática estructurada.
La publicidad mítica hace la construcción de los valores semánticos de un producto o una marca mediante la utilización de referentes del imaginario individual o colectivo.
Por último la publicidad sustancial de J. Feldman es lo contrario de la publicidad oblicua y se acerca a la publicidad referencial. En principio rechaza lo irrisorio, la ironía es para éste ideólogo un método que tenderá a desaparecer, Feldman busca llegar de nuevo a la esencial, a la naturaleza propia de todas las cosas. Centrándose en el producto, en sus virtudes, en su propio valor o en su naturaleza profunda, la publicidad sustancial exaltece el mundo recalcando su perfección, simulando un acercamiento del producto al consumidor, seduce mediante valores táctiles.
Técnicas como primeros planos y claridad absoluta de rasgos y formas proponen una emoción estética, que es la incapacidad momentánea del sujeto de dominar el mundo sensible, una incapacidad que lo hace estremecerse y le produce la sensación de que una presencia física se acerca a él.
Para concluir, el texto reconcilia los conceptos opuestos de cada tipo de publicidad haciendo referencia a los distintos estilos de vida de los sujetos que la reciben. Cuestión de referentes culturales, cada uno se define de acuerdo a la actitud que adopte respecto a sus propios signos.
A cada elección ideológica corresponde un discurso y un lenguaje, los lenguajes son signos y la diferencia entre cada una de la ideologías se basa en éstos signos, es un juego de forma y fondo.
Suscribirse a:
Comentarios (Atom)